Guia de escuta - Movimento 1: Mentira 1: Hino: Veni Creator Spiritus

Cópia

Na primeira parte, Mahler musicou um hino latino medieval em um de seus movimentos sinfônicos mais diretamente expressivos e diretos. Como em todos os primeiros movimentos de suas sinfonias do período intermediário, Mahler leva seu material temático adiante na sólida base rítmica de uma batida de marcha. Neste caso, ligeiramente desequilibrado por contadores móveis.

A predominância dos ritmos de março na primeira parte atende ao seu apelo robusto ao espírito criativo e à natureza heróica da batalha que se segue com as forças negativas que tentam debilitá-lo.
As harmonias tônicas predominam, assim como os temas diatônicos. A escrita polifônica para forças multi-corais e orquestrais, certamente a mais complexa que Mahler já escreveu, os temas são mais sintonizados com o vocal do que a escrita orquestral, mas são tratados sinfonicamente, a música causa seu maior impacto pela força de seu componente rítmico, e o poder de seu coral, tooties orquestrais que são espiritualmente inspirados e uma chama com paixão, contrastes e dualidades são uma característica fundamental da primeira parte. Por exemplo, Mahler extrai símbolos musicais, representando luz e escuridão de material temático, para formar motivos que unem as partes um e dois. O símbolo positivo de luz derivado do primeiro tema venoso, contrasta com o símbolo negativo para dúvida e ceticismo, aparecendo posteriormente na primeira parte. O motivo da luz em suas várias configurações desempenha um papel significativo em ambas as partes, proporcionando uma conexão conceitual e musical entre elas. A figura arqueada de quatro notas, que eu chamo o motivo da redenção, desempenha um papel importante na formação do material temático na primeira parte e atinge sua forma definitiva na segunda parte. As mesmas palavras e frases textuais às vezes são cantadas com notas musicais diferentes. Enquanto, inversamente, as mesmas ideias musicais às vezes são definidas para textos diferentes, criando uma relação conceitual extraordinária entre palavras e música. Mahler manipula habilmente suas idéias musicais e transforma radicalmente seu caráter ao longo desta parte, indicando o quão longe ele avançou no desenvolvimento de sua arte de transformação temática e motívica.

Dualidades musicais e textuais são estabelecidas na exposição intensificada durante o desenvolvimento e eliminadas em vez de resolvidas na recapitulação; elas aguardam a Parte Dois para a resolução.
Harmonicamente, a tonalidade maior do coro de acende edificante contrasta com a tonalidade E menor de toda a seção da haste, formando o dualismo principal entre os aspectos positivos e negativos do espírito humano. As divergências da forma de sonata tradicional estão muito em evidência na primeira parte, como geralmente estão nos primeiros movimentos das sinfonias do período intermediário de Mahler. enquanto mantém o esboço básico da Sonata, Mahler se desvia dos princípios clássicos de estrutura chave e progressão harmônica. Por exemplo, embora o movimento seja essencialmente um Mi bemol maior, o segundo tema é em Ré bemol maior, uma tonalidade bastante estranha à tonalidade local e retorna na recapitulação em um bemol maior, em vez de na tônica. Michel considera os esforços de Mahler para impor a forma sonata em seu material, como forçar a música e o texto nos confins dos assuntos principais e subordinados, excessivamente superficiais e, conseqüentemente, menos do que completamente bem-sucedidos. Até certo ponto, seu ponto é bem entendido, especialmente em um movimento coral texturalmente complexo. Ainda mais, sem dúvida, considerado os princípios dualísticos da forma sonata apropriada para um movimento de abertura que apresenta temas contrastantes que fornecem o argumento principal de toda a Sinfonia. O desenvolvimento começa com uma versão ritmicamente distorcida da intensificação das súplicas musicais de março, levando a um grito de iluminação na chave celestial de Mahler em Mi maior. Depois que o coro de meninos canta uma canção de alegria parecida com uma canção de natal, uma marcha de batalha em Mi menor envolve o inimigo, levando a uma rivalidade dupla que termina em uma longa e triunfante procissão em Mi bemol maior na melodia original da marcha e sua crescente conseqüência temática.

Esta fuga dupla é surpreendentemente informação regular baseada em Da Capo procedimento, enquanto a terceira e a sexta seções do desenvolvimento correspondem e encerram a cena altamente dramática, que termina com a fuga dupla. O tema da iluminação é apresentado em Mi bemol maior durante a recapitulação como um símbolo de vitória sobre as forças das trevas. Mahler omite da recapitulação qualquer referência à segunda parte do tema da veia. tendo lidado com isso longamente e no desenvolvimento da coda concentrando-se em tonalidades planas, assim como grande parte da primeira parte, reúne todos os temas principais antes que a seção de fechamento reafirme a tonalidade inicial.

Mahler alcançou notável sincronização de palavras e música aqui, ele afirmava que após chegar ao seu retiro de verão em 1906, preparado para mergulhar na composição da obra, percebeu uma inconsistência no texto que trazia consigo, o que o levou a acreditar que estava incompleto ou incorreto. Ele pediu que fosse enviado a ele imediatamente, quando chegasse, ele já havia composto a música, e eis que se encaixava perfeitamente no texto, como se, ao compor a música, soubesse instintivamente o que o texto deveria ser. Constantine Floros acredita que a história é apócrifa, ele sugere que um exame da relação entre as palavras e a música revela que Mahler não foi guiado pela ideia de música absoluta como ele afirmava, mas pelo texto ao qual as passagens musicais chave são frequentemente direcionadas.
Os elementos do primeiro tema estão contidos nas segundas palavras-chave invertidas e a palavra “Criador”É repetido. De acordo com Floros, a invocação está aparentemente no centro do primeiro tema, enquanto o segundo tema se refere ao próprio Espírito Criador. O segundo tema contém a palavra significativa implantar enquanto repete outra palavra importante “Grazia” o segmento informal como a forma do tema Veni em forma de variação, palavras repetidas usam frases musicais repetidas semelhantes. O simbolismo chave também tem uma conotação textual, todo o tema radical, que representa o antagonista, ao tema Veni como protagonista, é o reverso do tema Veni, sem repetição da primeira frase. O tema do participante em mi maior é uma variante do tema venoso, com um motivo de saudade adicionado. Até os sinos, segundo Floros, são usados ​​como referência simbólica à transcendência. A primeira parte começa com um humor resplandecente, cheio de espírito e entusiasmo. Sem uma única medida de introdução, a exposição começa imediatamente em um E bemol grave forte, soando assim imediatamente a rota tônica, é seguida no meio do compasso por um acorde E bemol maior igualmente poderoso no órgão que chama a entrada do primeiro tema em ambos os refrões, às palavras “Veni, veni Creator Spiritus”Os refrões ressoam alegremente com um tema resiliente, que chamaremos de vey one, como uma evocação poderosa do espírito criativo originado na majestade divina, veiny one começa com o intervalo favorito de Mahler, a quarta orelha caindo, tocada em um ritmo trocáico longo curta, seguida após um único descanso de batida por uma sétima crescente.

Os três nós que compõem esses dois intervalos de contrapeso formam uma célula motific que é reconstituída por trombones e trombetas imediatamente após a declaração coral de abertura de qualquer um no motivo da luz., O motivo principal que liga a parte um e a parte dois.

Veiny one age como uma faísca que acende o motivo da luz e por sua vez é iluminada por ele. Após a venda das três primeiras notas de qualquer um, aparece um giro de duas barras. As duas primeiras notas são tocadas em ritmo pontuado, dando à frase um caráter marcial, a veia termina com um ritmo pontilhado em três notas repetidas cantadas à palavra espírito. Esta figura celular assumirá um significado simbólico e motívico quando definido com outras palavras mais tarde na parte um, mudanças métricas de barra em barra dentro de uma veia criam uma sensação de desequilíbrio que contraria a firme assertividade do tema.

Quando o coro um começa a se repetir, veiny one violinos apresentam uma frase lírica fluente que tem uma veracidade em qualidade, que contrasta com o caractere declaratório veiny one, chamaremos essa frase de violino veiny one de escuta.

A veia dois entra com firme resolução em tenores e baixos no ritmo pontilhado que culminou em veiny uma canção com a mesma palavra que a concluía. Spiritus tremolo, a figuração de colcheia nas cordas confere vigor a este tema expressão demonstrativa do espírito criativo. Seguindo o ritmo pontilhado veiny two continua com uma frase lírica que é uma variante do compasso inicial veiny one A subindo em vez de diminuindo.

Como tema ascendente, veia dois conota aspiração, porém sem objetivo definitivo, pois não se esgota em resolução. Isso não implica a ausência de uma meta, mas sim que seu alcance já foi alcançado. Em contraste com a expressão extrovertida de qualquer pessoa, a veiny two parece mais pessoal e internalizada.

Funcionando como uma ponte lírica entre os temas veiny um A, a frase de violino atua como um catalisador, que une um veiny e um veiny ao menor configura a primeira de várias dualidades que serão resolvidas no decorrer da sinfonia. Nesse caso, o contraste é entre o objetivo externo e o poder criativo pessoal interno. Ambos estão interconectados motivicamente e também ligados por uma veia A, cujo lirismo implica que o amor será o catalisador que revive e realiza o espírito criativo.

Veiny one e o light motriz retornam em estreita interação stretto com o anterior nos agudos e a escada na base. Logo ouvimos gritos de vir, vir na queda das oitavas que soam como um chamado para a ação. Depois que o primeiro sujeito atinge o clímax em um acorde de Ré bemol maior forte sustentado por uma réplica por sopranos e contraltos contra uma extensão de qualquer frase descendente de quaisquer dois em tenores e baixos. A música suaviza e passa para o segundo assunto. O grupo solista agora ocupa o centro do palco, a soprano um canta ternamente as palavras no lugar “superna gratia, quae tu creasti, pectora“, Para um novo tema de expressão suave e orante de esperança pela graça como um meio de liberação de essência criativa. Este tema inplay é mais horizontal e lírico do que qualquer um dos dois temas principais veiny e, portanto, se relaciona com o lirismo caloroso de veiny one A, o catalisador entre os temas veiny, mas também é paralelo aos elementos líricos de veiny two e inclui uma variante de a figura rítmica pontilhada contida tanto na veia como na veia até agora, com as notas caindo gradativamente em vez de serem repetidas e cantadas junto com a palavra graça, graça. Desse modo espírito e gratzia estão ligados simbolicamente por meio de um nexo musical.

Mahler trata o tema em jogo em contraponto, tanto no grupo solista quanto em uma orquestra reduzida com contra-temas entrelaçados movendo-se em todas as direções. No entanto, a textura nunca se torna excessivamente densa. Uma sensação de repouso que vem de estar na graça de Deus é expressa com calor angelical. Em meio a essa aspiração pela divina benevolência veia reaparece momentaneamente na soprano um, nas palavras quae tu creesti, que você criou, referindo-se à linha de abertura do texto, os instrumentos de sopro procedem da breve referência à veia, uma com uma variante da veia A.

O tema em jogo é reafirmado suavemente no coro um em Lá bemol maior, com o soprano um entrando no mesmo tema um compasso depois, as vozes masculinas do coro dois os acompanham com uma variante da frase de escala longa descendente do mesmo tema sopranos e altos de refrão um, em seguida, afirme calmamente o ritmo pontilhado que terminou na veia um e começou na veia dois, desta vez na palavra peitoral, ligando-o assim com as palavras spirituals e graça em um nexo trinitário que une o mundano e o supramundano por meio da graça divina.

Mudanças métricas durante a extensão do segundo assunto lembram seu uso na veia um, antecipando a perda é para o prêmio que também é sugerido por uma variante da veia Uma canção pelos solistas para que as palavras Qui diceris Paraclitus, arco que é chamado de consolador e acompanhado pela figura do violino que estendia uma veia A.

Essa variante veiny one, como a veiny em si, soa mais objetiva e descritiva do que íntima e pessoal, com palavras definidas para frases musicais que acompanharam a veiny anterior. O contraste entre a sensação de desapego de Qui Paraclito, e o caráter de auto-satisfação do jogo é sentido mais plenamente quando este retorna cantado às palavras fons vivus, ignis, caritas, et spiritalis untio, a fonte viva, o fogo vivo, doce unção e amor verdadeiro.

Suavizando o ritmo pontilhado em uma figura trocáica em notas repetidas, uma nova variante motívica é cantada duas vezes ao lado da palavra tuorum. Mahler desenvolve seus motivos ao longo da primeira parte, repetindo ou sobrepondo uma célula motívica cantada com a mesma palavra. Outra variação do ritmo pontilhado relacionado à trindade de Spiritus, graça, peitoral é cantado para a palavra caritas.

Quando uma sugestão de veia aparece nas duas sopranos solistas, o primeiro sujeito não pode estar muito atrás. Ele retorna vigorosamente nas vozes mais baixas após sua primeira reafirmação completa, elementos de veiny two entram em movimento contrário entre os cursos da orquestra. A variante trocáica do ritmo pontilhado cantado antes de donum agora é repetida na palavra em jogo com uma ressaca da palavra criador sobrepondo-se, isso sugere o retorno da veia dois, agora começa a soar como uma conseqüência da veia, de modo que a dualidade dos aspectos externos e internos do espírito já começa o processo que os integrará e, assim, resolverá seu conflito, implicando que o aspecto subjetivo interno do espírito humano é originado e emana do objeto externo do aspecto. O primeiro pode então ser visto como o cumprimento da escada.
Mahler busca aqui preencher a lacuna entre os dois sem perder a individualidade humana. Sopranos e contraltos elevam-se em direção ao céu em uma inversão do A venoso, após o que as vozes mais baixas emitem uma declaração poderosa do motivo rítmico pontuado no peitoral enquanto a música irradia alegria. O fechamento cadencial do retorno do primeiro sujeito é encurtado em uma passagem de transição para a seção de fechamento.

Na abertura do allegro tempo, os sopros e as cordas pronunciam uma nova frase semelhante a um coral de dois compassos, consistindo em dois pares de semitons, o primeiro dos quais aumenta em uma sexta diminuta e o segundo em uma quinta diminuta.

Deve-se notar que o segundo desses intervalos foi denunciado como musicas em diabolus, a música do diabo na época em que este hino em latim foi escrito. Esses intervalos diminuídos conferem ao coral uma qualidade sinistra que contrasta com a dupla elevação que emana uma qualidade de desejo. O motivo leve reaparece primeiro nos ventos e depois nos violinos de um órgão, contra uma versão agressivamente rítmica e diminuta do motivo rítmico pontilhado e violinos que soa como um chamado para a batalha. Um fragmento de veia uma variação é tratado canonicamente. À medida que a música avança, ela se torna mais horizontal, em uma frase inferior de dois compassos em semínimas. O segundo compasso espelhando o primeiro tocado por instrumentos de sopro e cordas tremolo contra uma versão diminutiva repetida das três primeiras notas do motivo de luz que serve como acompanhamento rítmico para uma declaração poderosa do motivo de luz e trompas. Esses introdutores na seção final da exposição. Mahler usa essa técnica de criação de acompanhamento rítmico de material motívico em sua terceira e sexta sinfonias. Vamos ouvir da entrada do coral de metais de quatro notas.

Quando a tonalidade muda para Ré menor para iniciar um interlúdio orquestral, a frase de dois compassos que serviu como parte do acompanhamento rítmico para o motivo da luz pouco antes do início da seção de encerramento é tocada em tempo duplo por ventos e cordas para o tempo de sinos profundos que adicionam uma aura misteriosa à cena, especialmente quando se toca contra um órgão de oitava pedalado em Lá dominante, cinco trompas com sinos para cima emitem uma declaração poderosa do motivo da luz que é repetido imediatamente pelos trombones. Logo a música diminui no balanço de oitavas que escondem uma variante diminuta do motivo de luz dentro deles.

Altos e tenores de chrous two cantam suavemente e calmamente as palavras em infirma nostri corporis, dotar nossos corpos enfermos de uma variante calmante com veias, suas duas primeiras palavras são definidas como uma figura trocáica repetitiva que lembra a célula musical para a qual donum foi cantado anteriormente. Mas, em vez de em notas repetidas, Mahler usa uma terça menor descendente, a mesma frase textual é repetida na segunda metade da veia, de modo que a palavra cordibus é cantado com o motivo rítmico pontilhado que foi usado para o agrupamento trinitário da palavra. Spiritus, graça, peitoral.
Veiny one A acompanha enferma em violinos, como enferma continua a se expandir alegremente, um violino solo adiciona um toque volúvel de semicolcheia e figuração de tercinas que lembra o segmento do pássaro da morte, continuando, o refrão de abertura e o final da Segunda Sinfonia. Os cantores rezam pela força para superar sua fraqueza, retratada musicalmente na combinação da variante coral lenta na veia um e a figuração embriagada de violino solo.

O refrão entra-se gradualmente em elementos alongados do segundo sujeito em jogo, enquanto a base calmamente, mas em tons acentuados, canta o motivo leve, cujo ritmo pontilhado a seguir é estendido por tenores. A tecla home é restabelecida para concluir a exposição, mas o clima muda radicalmente e fica muito mais calmo. As palavras firmas, virtude, perpetu são adicionados ao enferma texto em uma oração pela força eterna. Isso é cantado em uma variação do tema em jogo em contraltos e violinos contra uma versão invertida da veia dois em tenores e violoncelos. Esta combinação sugere novamente que a dualidade principal é apresentada na exposição. O refrão entra suavemente na variante invertida de um veiado que se sobrepõe a uma versão invertida do motivo leve. Cantado pela base, é claro, para as palavras virtude perpetu, que deu ênfase e firmeza por trombetas e trombones em um templo mais amplo.
O tratamento alongado do motivo de luz invertida e das forças de metais e corais aumenta a tensão enquanto a música parece se mover em direção ao clímax.

Em uma frase descendente acentuada, no auge de um crescendo, o clímax não consegue fechar. Em vez disso, tudo o que ouvimos é um tremolo sustentado e os violoncelos e baixos em um grave natural, quase inaudíveis.
Isso causa uma mudança abrupta na direção da tonalidade e do humor. Com esse deslocamento radical e elevação de expectativas, o desenvolvimento começa, o ritmo um é restabelecido, mas agora marcado Allegro etwas hastig, um pouco apressado. A atmosfera é cheia de mistério, mas o tratamento de Mahler do material temático que se segue dá a ele um caráter travesso, trompas silenciosas tocam o motivo leve, suave mas fugazmente seu final rítmico pontilhado é então repetido e alterado em trompetes e cordas.
Segundos de queda acentuados lembram a versão donum da célula de ritmo pontilhada da veia. Os medidores móveis exibem as tensões normalmente firmes e uniformes da batida da marcha, que agora está estranhamente fora de forma. Esse baixo sustentado natural em violoncelos e baixos logo se transforma no tremolo com o qual o desenvolvimento começou, quando o ritmo de marcha desequilibrado para de repente, há apenas seis compassos.
Quando o tremolo desce cromaticamente para A bemol, a marcha recomeça tentando se manter estável em 4/4 metros, apesar das frequentes mudanças de metro. O repicar de sinos profundos tem um som sinistro. uma variante invertida do motivo de luz segue em chifres, levando a uma variação de veia em oboés. Com o surgimento desse tema, o palco está pronto para seu amplo desenvolvimento, em combinação com o motivo da luz, como um relâmpago, um impulso repentino desse motivo perfura a misteriosa quietude, partículas de luz são espalhadas pela orquestra de forma pontilhada, pode-se imaginar Anton Webern, meditando sobre essa passagem com grande interesse. O próximo trecho começa no início do desenvolvimento.

Em um quinto acorde aberto em Lá bemol, o primeiro segmento do desenvolvimento é concluído, mas seu ar de mistério continua enquanto os finos acordes de semínima que fecham o coral da exposição agora retornam, desta vez eles são tocados vivamente por um conjunto de câmara de flautas e violinos. Quando a tonalidade de dó sustenido menor é estabelecida, o tempo torna-se duas vezes mais lento, embora essa mudança pareça não ter efeito sobre a figuração flutuante que a introduziu, pois continua em tempo duplo, o solista de baixo entra em uma variante do motivo de luz que é estendido sobre elementos de veni two e cantado com as palavras infirma nostri corporis como se em reação ao deslocamento rítmico da seção anterior. A música atinge um breve clímax enquanto o solista canta a linha virtude firmans perpeti no tema em jogo. Esta combinação de material temático forma um contra-tema ao original enferma frase, vamos chamar isso de enferma dois, e assim se estabelece outra dualidade, esta entre o tema da fragilidade associada a enferma um, e que tem a força para superá-lo associado a enferma dois, como se fortalecida pela força dessas palavras, a música torna-se mais apaixonada, veia um A entra em contraponto sobreposto nos solistas vocais e na orquestra, enferma reaparece no solo Sopranos em stretto, com barítono e baixo, soando mais como uma variante de qualquer um para afirmar a dualidade que está estabelecida, enferma dois continuam em Fá maior a caminho de Ré maior.

A pausa respiratória mantém a música e o suspense após o qual Ré maior é alcançado, e a música se torna ainda mais calma e reconfortante. As palavras lúmen Liga sensível são cantados com o mesmo tema usado na exposição, para as palavras firmas virtude, lúmen Liga a pessoa lida com a realidade espiritual, tocando e mudando a realidade material por meio da ascensão da luz. Ao reafirmar a música usada para firmas virtude, Mahler implica que a formulação de frase textual firme por força perpétua e a frase pode a luz acender nossos sentidos explicar e interpretar uns aos outros. A conjunção musical dessas frases textuais relacionadas sublinha sua conexão conceitual, uma conexão positiva entre os dois temas como afirmados e eles estão ligados entre si com um A veiny, que atua como um catalisador motivic, aspirando à realização, a música sobe para o céu, ao contrário do jogo e veemente, tanto a maneira de aspiração quanto a realização buscada não são evidentes, são manifestações externas disfarçadas em aparente tranquilidade.
Uma sugestão de veia soa em flautas e violino solo aquecendo a atmosfera, quão pacífica e contente a música agora se torna flutuando em nuvens onduladas de canção de dois contrapontos entrelaçados, tratando sua figura escaladora descendente de forma independente, fragmentos de uma veia no violino solo, tente para fornecer segurança, violoncelos e fagotes seguem com o motivo da luz. E as trompas adicionam a versão original do mesmo motivo, enquanto as trombetas tocam uma versão alongada dele.

A ambivalência de veiny one agora se torna evidente. Seu caráter extrovertido original sendo domado pelas sensibilidades subjetivas internalizadas do segundo sujeito.
Os violinos emergem suavemente dessas variantes veias e de repente as cordas e os sopros explodem com um acorde poderoso que introduz o mi maior, a tonalidade celestial de Mahler. Uma transição apaixonada para o retorno do primeiro sujeito segue em um templo mais amplo na sobreposição de variações aumentadas e diminutas da veia e do motivo de luz. Em apenas quatro compassos, essa assertividade recém-descoberta impulsiona a música a um clímax, que é suspenso por uma pausa respiratória na entrada otimista do refrão no segmento da agenda que se segue. Todas as vozes gritam a primeira sílaba de assentimento pouco antes da pausa respiratória, mantendo sua resolução em suspenso e, assim, criando uma tensão avassaladora. Quando eles completam a palavra Liga, eles a cantam para uma nova figura temática que combina elementos de veia com o motivo crescente de desejo, estendido pela frase escalar decrescente de lúmen Liga dois. Os coros cantam esse novo tema em uma extensão alegre e emocionante do ritmo pontilhado de veias em instrumentos de sopro e violinos.

O mundo exteriormente visível de enferma dois retornaram, desencadeando elementos comuns de veiny um enquanto enferma para sugerir os aspectos externos do espírito humano, lúmen Liga dois significam sua exuberância. Juntos, eles conotam a realidade externa revelada pela iluminação interna por lúmen Liga uma dessas representações textuais musicais é ainda mais complicada por referências a elementos de veiny dois, particularmente seu ritmo pontilhado, bem como um veiny, seu movimento ascendente gradual e uma série de picos representando aspiração e realização.
Parece que lúmen Liga dois transcendeu a dualidade de veia um e dois, com a cooperação do importantíssimo motivo de luz simbólica significativamente relacionado com a palavra lúmen No texto, lúmen Liga dois desempenha um papel central na parte um e reaparece na parte dois como um símbolo chave de iluminação contra ritmos agitados nas cordas, este motivo luminoso agora soa majestosamente em ambos os refrões, como lúmen Liga dois desenvolvem com o barco leve de espalhados pelos conjuntos coral e orquestral.
Coro de meninos entra em uma frase em mais de cordibus lúmen sensível com amor aos nossos corações iluminar os sentidos que serão associados à sua música scherzondo na segunda parte.

A textura contrastante torna-se cada vez mais complexa, em uma variedade de variantes diminutas de lúmen Liga dois originados na veia um e dois. Esta música atinge um novo segmento nas palavras significativas Hostem repellas longius o segundo refrão torna-se mais agressivo, senão hostil, à medida que gritam o novo Hospedagem tema em mi menor. Isso emprega elementos de veia um e dois, bem como em enferma um, e é impulsionado por oitavos staccato afiados e agitados caindo de veia um em cordas e trombones. Tanto sua tonalidade menor quanto sua força selvagem indicam que todo o tema da haste tem o papel de antagonista opondo-se à iluminação confiante de lúmen Liga dois.

Aqui o inimigo, o Hospedagem é mencionado pela primeira vez e quem é esse inimigo, mas as forças negativas internas e externas que ameaçavam minar o espírito criativo. Coros gritam ferozmente Hospedagem em uma figura trocáica repetida consistindo de intervalos dissonantes, surgindo em nono seguido por um sétimo em queda, que aumentam sua ferocidade. Dada a maneira abertamente agressiva de todo o assunto, deixa a impressão de uma acusação ousada contra o lúmen acenda tema. Ondas de cromaticismo descendente impulsionam todo o tema radical à medida que se desenvolve em uma versão invertida, não menos poderosa do que a original. Quando a mesma figura trocáica é cantada para a palavra feito, todo o tema radical parece zombar do gentil Presente figura cantada no mesmo ritmo anteriormente. Até mesmo o apelo pela paz padrão é tratado da mesma maneira hostil, e uma variação dos elementos líricos de veiny dois sua canção vigorosamente em stretto, desmentindo sua natureza gentil.
Pela arrogância e assertividade da música, os refrões parecem contradizer as próprias palavras que cantam padrão aqui protino feito, conceda-nos paz eterna, caindo cromáticas na versão invertida de hospedaria faz com que pareça ainda mais arrogante, o chifre invoca o motivo leve pouco faz para neutralizar sua hostilidade.

Um súbito chaveiro em Mi bemol maior traz consigo um pedido de orientação na luta contra o negativo hospedaria tema para as palavras anterior ductore sic te praevio, vitemus omne noxium.

com o nosso caminho para Deus, podemos evitar o mal, as forças compensatórias tentaram conter a maré de agressão negativa provocada pelo host demos as forças hostis.
Este tema prevalecente começa com o ritmo pontilhado do peitoral o motivo contido tanto na veia um quanto na veia dois gritou três vezes para escalas e cordas descendo rapidamente que mantêm a tensão anterior continua com a frase lírica da veia dois que tentou contrariar o hospedaria tema quando apareceu pela primeira vez. Violoncelos e baixos vocais e orquestrais afirmam o motivo da luz para apoiar a causa da iluminação que conduzirá as forças criativas para fora da escuridão e hospedaria malevolência.

Praevio reforça a ordem com sua validação de lúmen acenda dois, contra o caos de seus postes antagonistas. A partir daqui começa um extenso duplo fue que vai durar 54 compassos, implantando vários elementos temáticos e multivac em uma polifonia extremamente complexa e intrincada, o duplo fue começa com anterior veiny two nas vozes masculinas do refrão dois contra o motivo de luz no grupo solista veiny um e dois são então combinados com o segundo assunto em jogo, que é desenvolvido junto com uma variante alongada de veiny dois e o motivo de luz invertida no coro um , os elementos temáticos se multiplicam quando um alongado muito para o modo leve do coro de meninos, com um único trompete avisado para não cobrir os cantores é colocado contra a veia dois e em execução. Uma inversão retrógrada do motivo de luz é jogada contra os motivos originais, enquanto veia um anterior continua a se desenvolver na conclusão da dupla rivalidade. Estes e vários outros motivos e temas principais acumulam vey one, veiny one A, anterior, em jogo e o motivo de luz, em uma profusão extremamente complexa de vozes contrapontísticas. Quando a tonalidade faz uma breve excursão em Lá maior conforme as forças orquestrais são reduzidas, o coro continua a entrelaçar elementos temáticos, conforme violinos e flautas sobem para o céu, no auge dessa ascensão aspirante, contrastando com a frase escalar decrescente da veia dois nas vozes de baixo, o solo é enfaticamente afirmar as palavras Per te ciamo, apenas temporário, em uma versão ampliada da frase lírica crescente de veiny dois em um bemol maior e em um andamento mais amplo.
Aqui, Mahler omite referências ao Pai e ao Filho, deixando apenas um abstrato como a força unificadora da criatividade. O motivo leve acompanha essa afirmação de fé nas profundezas da orquestra. A seguir, ouviremos o início da fuga dupla, sua complexidade é surpreendente.

Agora, o caminho está livre para a vitória, lúmen ascende dois entram triunfantemente em um raio de sol radiante de mi maior. Pouco antes da declaração alargada de veia, uma prévia chega ao fim em um dos muitos exemplos da técnica de telescopagem de Mahler. Com uma quarta queda que se abre em veia, o motivo de saudade e o ritmo pontilhado de veia dois todos contrapontísticos II integrados com o motivo de luz, cantores de metais e baixo lúmen ascende dois combina todos os elementos assertivos que buscam ascender às alturas em busca de realização espiritual. O coro dos meninos e o coro um nos convocam de forma estimulante para ascender à luz da auto-iluminação com o motivo de, enquanto o coro dois continuar com lúmen ascende dois.
Os violinos invertem a etiqueta rítmica pontilhada dos motores leves da mesma maneira que o refrão fará muito cedo com a palavra sensibilidade, que implica uma intensificação dos sentidos.

A seção final do desenvolvimento começa combinando o segundo assunto em jogo, é retornado insinuado no curso como alguns compassos antes, com as versões original e invertida do motivo de luz que conecta a natureza extrovertida do venoso, agora suavizado por o lado lírico da veia dois, com o caráter internalizado de funcionários em uma profusão complexa de vozes, e um lúmen de colisão de címbalo explosivo atendeu às suas forças locais reafirmadas, segure com toda a força um acorde diminuto de sétima C menor apoiado pelo orquestra com órgão.
Trombones e tubas tocam o motivo da luz invertida justaposta com sua forma original e trompas, apontando o caminho para o resto da veia um tema enunciado vigorosamente por trombetas, conforme as forças corais diminuem, os solistas sobem no jogo e os sopranos atingem um agudo veja que ressoa com autoconfiança. O motivo da saudade agora se torna mais proeminente, pois aparece sequencialmente no coro um e no grupo solista. O motor de saudade conclui no ritmo pontilhado dos temas veios, com uma sexta ascendente que replica a versão alongada desse motivo tocada anteriormente pelos violinos. Os cantores levantam suas vozes clamando pela iluminação dos sentidos com luz criativa, instrumentos de sopro e violinos se elevam a grandes alturas na frase lírica da veia dois, mais uma vez o motivo de luz ressoa em suas formas invertidas e originais no latão, enquanto sopros e cordas graves estendem aquele ritmo pontilhado de motivos em uma sequência cadente, um conjunto vocal e orquestral gigantesco combinado veiny two e em jogo com aquilo que os uniu o motivo de luz em uma conclusão gloriosa para a seção de desenvolvimento que leva direto para o retorno de veiny em sua tonalidade original E bemol maior. Vamos ouvir a conclusão da fuga dupla até o início da recapitulação, a partir da entrada do coral em Liga.

Que alívio das complexas lutas do desenvolvimento para ouvir a veia original que um tema soou no ponto alto desta construção coral-orquestral. Observe a dica de seu retorno nos compassos imediatamente anteriores, quando o tema em jogo é cantado com as palavras veni, criador. Embora a música pareça ter alcançado seu objetivo, esse objetivo não nos traz mais perto da realização ou redenção, do que estávamos no início da parte um, um dos meus interpretar isso como um fracasso em ir além do que, por implicação, já foi alcançado ou como montado de eterno retorno. A meta que havia sido buscada com tanta paixão durante a Parte Um já havia sido alcançada, mas sua realização exigia a iluminação da luz para ser totalmente conhecida e compreendida.
Vamos esquecer, entretanto, que as forças negativas intervêm contra as forças da luz durante o desenvolvimento e tiveram que ser superadas antes que a verdadeira realização pudesse ser alcançada. Agora que esses elementos negativos foram confrontados, combatidos e superados, eles podem funcionar para iluminar o espírito criativo em direção a uma maior autocompreensão necessária para tal realização. Veiny one retorna em toda a sua glória, seu chamado é imediatamente respondido pelo motivo da luz nos trombones, assim como foi tocado pela primeira vez no início da primeira parte, agora é dobrado pelas forças básicas para as palavras criador Spiritus está reforçando o simbolismo da iluminação.
O motivo da luz é invertido nas mesmas vozes básicas durante uma sequência de entradas sobrepostas e posicionamentos variáveis ​​de uma veia. Como na exposição, Aqui Paráclito é cantada com a frase lírica da veia dois em stretto, contra a figuração violenta da veia um A, ambos os temas veios então se fundem. Em outro brilhante exemplo de integração temática, furtivamente o segundo sujeito em jogo entra como se fosse apenas uma extensão do tema veiado, cujo caminho se cruzou após apenas dois compassos. Veiny um e dois não se alternam, mas são tratados como partes integrantes uma da outra, e outro meio pelo qual o modelo remove a dualidade estabelecida entre eles na exposição. À medida que a música voa apaixonadamente, combinando temas veias entre si, veiny one é ampliado e elaborado ao absorver veiny two and in play.
Dualidades apresentadas na exposição e reconfiguradas durante as lutas do desenvolvimento agora estão integradas e unidas. Os temas polares de enferma um e dois são absorvidos pelo tecido musical, simbolizando a integração do evento externo e da força interna enferma dois e lúmen acenda dois representam toda a gama de eventos de assertividade espiritual, movendo-se das trevas para a luz, e assim iluminando os sentidos por meio de referências cruzadas multivac veiny, um, veiny dois e em jogo se ampliam para incluir as dualidades de enferma um e dois, bem como aqueles expressos por lúmen, atendem ao primeiro e ao segundo dia. A assimilação desses temas díspares, porém relacionados, implica que, quando a dualidade de Deus e do homem é transcendida, uma luz ilumina os sentidos lúmen acenda, trazendo assim à existência as condições necessárias para a criatividade humana, criador veni e remover os obstáculos ao seu cumprimento é que, pela união de aspectos contrastantes do Espírito, o cumprimento pode ser alcançado.

A recapitulação é apresentada não como uma resolução de dualidades conflitantes, mas como uma memória de tensões liberadas pela resolução já alcançada, com o advento de lúmen acenda dois durante o desenvolvimento. Isso não é o clímax ou a combinação da busca por realização, mas da mesma maneira que o clímax em anterior, cantado com o tema de lúmen acenda dois resolvem a dualidade de veiny um e veiny dois, essencialmente essas dualidades replicam a polaridade ontológica entre ser e seres, ou em termos espirituais entre o criador e a humanidade.

A resolução é alcançada por uma infusão do espírito divino, não como uma intrusão de fora, o que aniquilaria a liberdade humana necessária para a criatividade, deslocando a personalidade humana é a força centrífuga, nem substituindo a criatividade divina por sua contraparte humana, como se ambas eram intercambiáveis. Sua convergência através da iluminação divina, representada pelo motivo da luz infundindo lúmen acenda com uma centelha de divindade também funde os aspectos externos e internos do espírito em uma união capaz de realização criativa. Voltando à sequência de eventos musicais e à recapitulação, a frase coral crescente reaparece em conjunto com o primeiro e o segundo sujeitos, chega a uma conclusão estável em uma cadência completa terminando em um acorde de Lá bemol maior forte, contra a profusão de contraponto no probabilidade de incorporar uma variedade de permutações temáticas e ventos e cordas. O tempo logo se amplia e a tonalidade muda para mi maior para dar início à coda. A luz continua a aparecer de todas as direções e em todas as formas, então de repente o ritmo se acelera com a música ainda agarrada às representações multifacetadas da luz difundida por toda a orquestra. Resumidamente, a tecla home, o plano retorna como latão combinando o motivo de luz original, com sua inversão contra o vil e a figuração originada no veio um A, e o motivo de luz em diminuição.
À escala decrescente ou frase de veia dois tocam por instrumentos de sopro e cordas graves, o coro de meninos canta louvores a Deus, Glória do domínio da poesia. O tema para o qual essas palavras são cantadas combina o motivo leve com o motivo arqueado da redenção, o primeiro tornando-se um modelo rítmico nas cordas, como o fez no início da seção de encerramento das exposições. Sopranos única versão ampliada do motivo de luz em uma poderosa afirmação de Gloria, ao qual alto e tenor solista respondem com a mesma palavra no ritmo pontilhado do pechter, emotivo.

Juntar-se a Spiritus e Gloria no mesmo ritmo pontilhado os une como representações simbólicas da glória celestial e da criatividade humana. Assim como os solistas parecem ter atingido uma cadência, ambos os refrões entram com uma declaração magnífica de Gloria senta DominóGlória a Deus na veia um em seu ritmo original de allegro.
As trompas entram em um compasso mais tarde em uma variante ascendente com veia A, enquanto a glória do tema sobe para o céu no auge dessa passagem solo contraltos, coro de meninos e coro para cantar o tema em jogo. Aqui, este tema parece ser uma conseqüência natural de uma veia, as palavras Mortuis surrexit são cantados em segundos menores decrescentes repetidos, o motivo de "uau" solistas alto e coro um entra em uma afirmação forte do segundo sujeito nas palavras Deo senta glória, contra eles frase ascendente alongada e Sopranos na palavra cerâmica, enquanto Sopranos sobem ao topo de sua gama, os tímpanos martelam o motivo leve com grande força, quase antecipando o lema do destino rítmico tocado pelo mesmo instrumento na Nona Sinfonia. O coral de dois compassos então retorna em ambos os refrões, após o qual um aumento no tempo impele a música para a seção final. Nosso próximo trecho começará com a entrada do coro masculino em Gloria.

Os coros apresentam um único motivo leve em um strettle típico em um ritmo cada vez mais rápido, até que o solista soprano entre, estendendo seu intervalo crescente de uma sétima a uma nona, antecipando assim os compassos finais de uma sinfonia. Brass com um tom majestoso com veia dois dando início aos solistas para a final Gloria, cantado com uma força tremenda para a frase lírica crescente de veiny dois contra gritos de Gloria em sua figura rítmica pontilhada de abertura de ambos os refrões. A entrada de uma banda interna traz o enorme conjunto de cantores e instrumentistas com força total em uma poderosa declaração de lúmen acenda um, o coro de meninos clama pela ascensão da luz em uma frase melódica que contém apropriadamente os motivos do desejo e o o Tag ist schön motivo.
Os coros surgem em uma sequência de escalas ascendentes, começando na base e avançando para cima, soando, como Mahler os descreveu, como mundos circulando no espaço. Essas escalas giratórias alcançam terreno firme em um acorde prolongado em Mi bemol maior, na palavra final, poesia. Enquanto a banda interna regenera o tema lírico da veia dois como uma convocação à glória, contra a repetição de afirmações do ritmo pontilhado peitoral nos metais no palco.

Esta conclusão monumental para um movimento incrivelmente poderoso e complexo não apenas contém algumas das músicas mais emocionantes de Mahler, mas mostra o compositor no auge de seus poderes criativos. Ele demonstra sua capacidade de integrar material musical diverso em um cenário contrapontístico extremamente complexo e de conjugar música e texto em uma inter-relação simbólica que é representativa de sua filosofia criativa. É difícil imaginar o que mais precisa ser dito depois de uma conclusão tão forte e definitiva. No entanto, ainda há algo a ser alcançado antes que a criatividade verdadeira e duradoura possa ser realizada.

A Parte Dois fornecerá o que é necessário para tal realização.


Por Lew Smoley

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