Edvard Munch (1863-1944) em 1902.

  • Profissão: Pintor.
  • Residências: Oslo, Paris, Berlim.
  • Relação com Mahler: Veja Marina Fistoulari Mahler (1943).
  • Correspondência com Mahler: Não.
  • Nascido em: 12-12-1863 Adalsbruk, Noruega.
  • Morreu em: 23-01-1944 Ekely perto de Oslo (Christiania), Noruega. Com 80 anos.
  • Enterrado: 00 Budap00 Vår Frelsers gravlund, Oslo, Noruega.

Edvard Munch foi um pintor e gravador norueguês cujo tratamento intensamente evocativo de temas psicológicos se baseou em alguns dos principais princípios do simbolismo do final do século 19 e influenciou muito o expressionismo alemão no início do século 20. Uma de suas obras mais conhecidas é The Scream of 1893.

Edvard Munch nasceu em uma casa de fazenda na vila de Ådalsbruk em Løten, Noruega, filho de Laura Catherine Bjølstad e Christian Munch, filho de um padre. Christian era um médico e oficial médico que se casou com Laura, uma mulher com metade de sua idade, em 1861. Edvard tinha uma irmã mais velha, Johanne Sophie, e três irmãos mais novos: Peter Andreas, Laura Catherine e Inger Marie. Tanto Sophie quanto Edvard parecem ter herdado seu talento artístico de sua mãe. Edvard Munch era parente do pintor Jacob Munch e do historiador Peter Andreas Munch.

A família mudou-se para Christiania (agora Oslo) em 1864, quando Christian Munch foi nomeado oficial médico da Fortaleza de Akershus. A mãe de Edvard morreu de tuberculose em 1868, assim como a irmã favorita de Munch, Johanne Sophie, em 1877. Após a morte de sua mãe, os irmãos Munch foram criados por seu pai e por sua tia Karen. Freqüentemente doente durante a maior parte dos invernos e fora da escola, Edvard desenhava para se manter ocupado. Ele foi ensinado por seus colegas de escola e sua tia. Christian Munch também instruiu seu filho em história e literatura e entreteve as crianças com histórias de fantasmas vívidas e contos do escritor americano Edgar Allan Poe.

Como Edvard se lembrava, o comportamento positivo de Christian em relação aos filhos foi ofuscado por seu pietismo mórbido. Munch escreveu: “Meu pai era temperamentalmente nervoso e obsessivamente religioso - ao ponto da psiconeurose. Dele herdei as sementes da loucura. Os anjos do medo, tristeza e morte estiveram ao meu lado desde o dia em que nasci. ”Christian repreendeu seus filhos, dizendo-lhes que sua mãe estava olhando para baixo do céu e lamentando seu mau comportamento. O opressivo meio religioso, mais a saúde precária de Edvard e as vívidas histórias de fantasmas ajudaram a inspirar suas visões macabras e pesadelos; o menino sentia que a morte estava constantemente avançando sobre ele. Uma das irmãs mais novas de Munch foi diagnosticada com doença mental ainda jovem. Dos cinco irmãos, apenas Andreas se casou, mas ele morreu alguns meses após o casamento. Munch escreveria mais tarde: "Eu herdei dois dos mais terríveis inimigos da humanidade - a herança do consumo e da insanidade".

O pagamento militar de Christian Munch era muito baixo, e suas tentativas de desenvolver uma prática privada fracassaram, mantendo sua família na pobreza elegante, mas perene. Eles se mudavam com frequência de um apartamento barato para outro. Os primeiros desenhos e aquarelas de Munch retratam esses interiores e os objetos individuais, como frascos de remédios e instrumentos de desenho, além de algumas paisagens. Na adolescência, a arte dominou os interesses de Munch. Aos treze anos, Munch teve sua primeira exposição a outros artistas na recém-formada Art Association, onde admirou o trabalho da escola de paisagismo norueguesa. Ele voltou a copiar as pinturas, e logo começou a pintar a óleo.

Estudos e influências

Em 1879, Munch matriculou-se em uma faculdade técnica para estudar engenharia, onde se destacou em física, química e matemática. Aprendeu desenho em escala e perspectiva, mas doenças frequentes interrompiam seus estudos. No ano seguinte, para grande decepção do pai, Munch deixou o colégio determinado a se tornar pintor. Seu pai via a arte como um “comércio profano” e seus vizinhos reagiram amargamente e lhe enviaram cartas anônimas. Em contraste com o pietismo raivoso de seu pai, Munch adotou uma postura nada dogmática em relação à arte. Ele escreveu seu objetivo em seu diário: “na minha arte, tento explicar a vida e seu significado para mim mesmo”.

Em 1881, Munch matriculou-se na Escola Real de Arte e Design de Christiania, um de cujos fundadores foi seu parente distante Jacob Munch. Seus professores foram o escultor Julius Middelthun e o pintor naturalista Christian Krohg. Naquele ano, Munch demonstrou sua rápida absorção de seu treinamento de figura na Academia em seus primeiros retratos, incluindo um de seu pai e seu primeiro autorretrato. Em 1883, Munch participou de sua primeira exposição pública e dividiu um estúdio com outros alunos. Seu retrato de corpo inteiro de Karl Jensen-Hjell, um notório boêmio da cidade, ganhou a resposta desdenhosa de um crítico: “É o impressionismo levado ao extremo. É uma caricatura de arte. ” As pinturas de nus de Munch desse período sobrevivem apenas em esboços, exceto em Standing Nude (1887). Eles podem ter sido confiscados por seu pai.

Durante esses primeiros anos, Munch experimentou muitos estilos, incluindo Naturalismo e Impressionismo. Algumas das primeiras obras são uma reminiscência de Manet. Muitas dessas tentativas trouxeram-lhe críticas desfavoráveis ​​da imprensa e geraram constantes repreensões por parte de seu pai, que ainda assim lhe fornecia pequenas quantias para suas despesas. Em um ponto, no entanto, o pai de Munch, talvez influenciado pela opinião negativa de seu primo Edvard Diriks (um pintor tradicional estabelecido), destruiu pelo menos uma pintura (provavelmente um nu) e se recusou a adiantar mais dinheiro para materiais de arte.

Munch também recebeu a ira de seu pai por seu relacionamento com Hans Jæger, o niilista local que vivia pelo código “uma paixão para destruir também é uma paixão criativa” e que defendia o suicídio como o caminho definitivo para a liberdade. Munch ficou sob seu feitiço malévolo e anti-establishment. “Minhas ideias desenvolveram-se sob a influência dos boêmios ou melhor, de Hans Jæger. Muitas pessoas afirmaram erroneamente que minhas idéias foram formadas sob a influência de Strindberg e dos alemães ... mas isso está errado. Eles já haviam sido formados até então. ” Naquela época, ao contrário de muitos outros boêmios, Munch ainda era respeitoso com as mulheres, além de reservado e bem-educado, mas começou a ceder à bebedeira e às brigas de seu círculo. Ele estava inquieto com a revolução sexual que estava acontecendo na época e com as mulheres independentes ao seu redor. Mais tarde, ele se tornou cínico em relação a questões sexuais, expressas não apenas em seu comportamento e sua arte, mas também em seus escritos, um exemplo sendo um longo poema chamado The City of Free Love. Ainda dependente de sua família para muitas de suas refeições, o relacionamento de Munch com seu pai permaneceu tenso devido às preocupações com sua vida boêmia.

Depois de vários experimentos, Munch concluiu que o idioma impressionista não permitia expressão suficiente. Ele achou isso superficial e muito semelhante à experimentação científica. Ele sentiu a necessidade de ir mais fundo e explorar situações repletas de conteúdo emocional e energia expressiva. Sob o mandamento de Jæger de que Munch deveria “escrever sua vida”, ou seja, Munch deveria explorar seu próprio estado emocional e psicológico, o jovem artista iniciou um período de reflexão e auto-exame, registrando seus pensamentos em seu “diário da alma”. Essa perspectiva mais profunda ajudou a movê-lo para uma nova visão de sua arte. Ele escreveu que sua pintura The Sick Child (1886), baseada na morte de sua irmã, foi sua primeira “pintura da alma”, sua primeira ruptura com o impressionismo. A pintura recebeu uma resposta negativa da crítica e de sua família, e causou mais uma “violenta explosão de indignação moral” da comunidade.

Apenas seu amigo Christian Krohg o defendeu:

Ele pinta, ou melhor, considera as coisas de uma forma diferente da de outros artistas. Ele vê apenas o essencial, e isso, naturalmente, é tudo o que ele pinta. Por isso, as fotos de Munch são via de regra “incompletas”, como as pessoas ficam encantadas em descobrir por si mesmas. Oh, sim, eles estão completos. Sua obra completa. A arte está completa quando o artista realmente disse tudo o que estava em sua mente, e esta é precisamente a vantagem de Munch sobre os pintores da outra geração, que ele realmente sabe como nos mostrar o que sentiu e o que o agarrou, e a isso ele subordina tudo o mais.

Munch continuou a empregar uma variedade de técnicas de pinceladas e paletas de cores ao longo dos anos 1880 e início dos anos 1890, enquanto lutava para definir seu estilo. Seu idioma continuou a variar entre o naturalista, como visto no Retrato de Hans Jæger, e o impressionista, como na Rue Lafayette. Seu Inger On the Beach (1889), que causou outra tempestade de confusão e controvérsia, sugere as formas simplificadas, contornos pesados, contrastes agudos e conteúdo emocional de seu estilo maduro por vir. Ele começou a calcular cuidadosamente suas composições para criar tensão e emoção. Embora estilisticamente influenciado pelos pós-impressionistas, o que evoluiu foi um assunto de conteúdo simbolista, representando um estado de espírito em vez de uma realidade externa. Em 1889, Munch apresentou sua primeira exposição individual de quase todas as suas obras até hoje. O reconhecimento que recebeu levou a uma bolsa de estudos do estado de dois anos para estudar em Paris com o pintor francês Léon Bonnat.

Paris

Munch chegou a Paris durante as festividades da Exposition Universelle (1889) e se hospedou com dois colegas artistas noruegueses. Sua foto, Morning (1884), foi exibida no pavilhão norueguês. Ele passava as manhãs no atarefado estúdio de Bonnat (que incluía modelos femininas ao vivo) e as tardes na exposição, galerias e museus (onde se esperava que os alunos fizessem cópias como forma de aprender técnica e observação). Munch registrou pouco entusiasmo pelas aulas de desenho de Bonnat - “Isso me cansa e me entedia - é entorpecente” -, mas gostou do comentário do mestre durante as viagens ao museu.

Munch ficou encantado com a vasta exibição de arte moderna europeia, incluindo as obras de três artistas que se revelariam influentes: Paul Gauguin, Vincent van Gogh e Henri de Toulouse-Lautrec - todos notáveis ​​por como usaram a cor para transmitir emoções. Munch foi particularmente inspirado pela “reação contra o realismo” de Gauguin e seu credo de que “a arte era um trabalho humano e não uma imitação da Natureza”, uma crença anteriormente declarada por Whistler. Como um de seus amigos berlinenses disse mais tarde sobre Munch, “ele não precisa ir ao Taiti para ver e experimentar o primitivo da natureza humana. Ele carrega seu próprio Taiti dentro de si. ”

Em dezembro daquele ano, seu pai morreu, deixando a família de Munch na miséria. Ele voltou para casa e conseguiu um grande empréstimo de um rico colecionador norueguês quando parentes ricos não ajudaram e assumiu a responsabilidade financeira por sua família a partir de então. A morte de Christian o deixou deprimido e ele foi atormentado por pensamentos suicidas: “Eu moro com os mortos - minha mãe, minha irmã, meu avô, meu pai ... Mate-se e então acabou. Por que viver? ” As pinturas de Munch do ano seguinte incluíram cenas de taverna esboçadas e uma série de paisagens urbanas brilhantes nas quais ele experimentou o estilo pontilhista de Georges Seurat.

Berlin

Em 1892, Munch formulou sua característica e original estética sintetista, vista em Melancholy (1891), em que a cor é o elemento carregado de símbolos. Considerada pelo artista e jornalista Christian Krohg como a primeira pintura simbolista de um artista norueguês, Melancholy foi exibida em 1891 na Exposição de Outono em Oslo. Em 1892, Adelsteen Normann, em nome da União dos Artistas de Berlim, convidou Munch para expor em sua exposição de novembro, a primeira exposição individual da sociedade. No entanto, suas pinturas geraram polêmica amarga (apelidadas de “O Caso Munch”), e após uma semana a exposição foi encerrada. Munch ficou satisfeito com a “grande comoção” e escreveu em uma carta: “Nunca tive um momento tão divertido - é incrível que algo tão inocente como a pintura tenha causado tanta agitação”.

Em Berlim, Munch envolveu-se em um círculo internacional de escritores, artistas e críticos, incluindo o dramaturgo e intelectual sueco August Strindberg, que pintou em 1892. Durante seus quatro anos em Berlim, Munch esboçou a maioria das ideias que comporiam sua obra principal, The Frieze of Life, inicialmente projetada para ilustração de livros, mas posteriormente expressa em pinturas. Ele vendeu pouco, mas obteve algum lucro com a cobrança de taxas de entrada para ver suas pinturas controversas. Já, Munch estava mostrando uma relutância em se separar de suas pinturas, que ele chamou de seus “filhos”.

Suas outras pinturas, incluindo cenas de cassino, mostram uma simplificação da forma e dos detalhes que marcaram seu primeiro estilo maduro. Munch também passou a privilegiar um espaço pictórico raso e um cenário mínimo para suas figuras frontais. Como as poses foram escolhidas para produzir as imagens mais convincentes de estados de espírito e condições psicológicas, como em Ashes, as figuras transmitem uma qualidade monumental e estática. As figuras de Munch parecem desempenhar papéis em um palco de teatro (Death in the Sick-Room), cuja pantomima de posturas fixas significa várias emoções; uma vez que cada personagem incorpora uma única dimensão psicológica, como em O grito, os homens e mulheres de Munch começaram a parecer mais simbólicos do que realistas. Ele escreveu: “Não deveriam mais ser pintados interiores, pessoas lendo e mulheres tricotando: haveria pessoas vivas, respirando e sentindo, sofrendo e amando”.

O grito (1893)

O Grito existe em quatro versões: dois pastéis (1893 e 1895) e duas pinturas (1893 e 1910). Existem também várias litografias de The Scream (1895 e posteriores). O pastel 1895 foi vendido em leilão em 2 de maio de 2012 por US $ 119,922,500, incluindo comissão. É a mais colorida das versões e se distingue pela postura voltada para baixo de uma de suas figuras de fundo. É também a única versão não mantida por um museu norueguês. A versão de 1893 foi roubada da Galeria Nacional de Oslo em 1994 e recuperada. A pintura de 1910 foi roubada em 2004 do Museu Munch em Oslo, mas foi recuperada em 2006 com danos limitados.

O Grito é a obra mais famosa de Munch e uma das pinturas mais reconhecidas em toda a arte. Foi amplamente interpretado como uma representação da ansiedade universal do homem moderno. Pintado com faixas largas de cores berrantes e formas altamente simplificadas, e empregando um ponto de vista elevado, ele reduz a figura agonizante a uma caveira vestida no meio de uma crise emocional.

1893. Edvard Munch (1863-1944). O grito.

Com esta pintura, Munch cumpriu o seu objetivo declarado de “o estudo da alma, isto é, o estudo de mim mesmo”. Munch escreveu sobre como a pintura surgiu: “Eu estava andando na estrada com dois amigos quando o sol se pôs; de repente, o céu ficou vermelho como sangue. Parei e me encostei na cerca, sentindo um cansaço indescritível. Línguas de fogo e sangue se espalharam pelo fiorde preto azulado. Meus amigos continuaram caminhando, enquanto eu fiquei para trás, tremendo de medo. Então eu ouvi o grito enorme e infinito da natureza. ” Mais tarde, ele descreveu a angústia pessoal por trás da pintura, “por vários anos eu quase fiquei louco ... Você conhece a minha imagem, 'O Grito?' Fui levado ao limite - a natureza gritava em meu sangue ... Depois disso, perdi a esperança de ser capaz de amar novamente. ”

Resumindo os efeitos da pintura, a autora Martha Tedeschi afirmou: “A mãe de Whistler, o gótico americano de Wood, a Mona Lisa de Leonardo da Vinci e O grito de Edvard Munch alcançaram algo que a maioria das pinturas, independentemente de sua importância histórica da arte, beleza ou dinheiro valor — não tem: eles comunicam um significado específico quase imediatamente a quase todos os espectadores. Essas poucas obras fizeram a transição com sucesso da esfera de elite do visitante do museu para o enorme local da cultura popular. ”

Frieze of Life - Um Poema sobre Vida, Amor e Morte

Em dezembro de 1893, a Unter den Linden em Berlim foi palco de uma exposição da obra de Munch, exibindo, entre outras peças, seis pinturas intituladas Study for a Series: Love. Isso deu início a um ciclo que ele mais tarde chamou de Friso da Vida - Um Poema sobre Vida, Amor e Morte. Os motivos de “Frieze of Life”, como The Storm e Moonlight, são imersos na atmosfera. Outros motivos iluminam o lado noturno do amor, como Rose e Amelie e Vampiro. Em Death in the Sickroom, o assunto é a morte de sua irmã Sophie, que ele retrabalhou em muitas variações futuras. O foco dramático da pintura, retratando toda a sua família, está disperso nas figuras separadas e desconexas da tristeza. Em 1894, ele ampliou o espectro de motivos adicionando Anxiety, Ashes, Madonna e Women in Three Stages (da inocência à velhice).

Por volta do início do século 20, Munch trabalhou para terminar o “Friso”. Ele pintou uma série de quadros, vários deles em formato maior e, em certa medida, com a estética Art Nouveau da época. Ele fez uma moldura de madeira com relevos esculpidos para a grande pintura Metabolismo (1898), inicialmente chamada de Adam and Eve. Esta obra revela a preocupação de Munch com a “queda do homem” e sua filosofia pessimista do amor. Motivos como A Cruz Vazia e o Gólgota (ambos c. 1900) refletem uma orientação metafísica e também refletem a educação pietista de Munch. O Friso inteiro foi mostrado pela primeira vez na exposição separatista em Berlim em 1902.

Os temas “The Frieze of Life” são recorrentes ao longo da obra de Munch, mas ele se concentrou neles especialmente em meados da década de 1890. Em esboços, pinturas, pastéis e gravuras, ele explorou as profundezas de seus sentimentos para examinar seus principais motivos: as fases da vida, a femme fatale, a desesperança do amor, ansiedade, infidelidade, ciúme, humilhação sexual e separação na vida e morte. Esses temas são expressos em pinturas como The Sick Child (1885), Love and Pain (renomeado Vampire; 1893-94), Ashes (1894) e The Bridge. O último mostra figuras flácidas com rostos inexpressivos ou ocultos, sobre os quais assomam as formas ameaçadoras de árvores pesadas e casas sombrias. Munch retratou as mulheres como sofredoras frágeis e inocentes (ver Puberdade e Amor e Dor) ou como a causa de grande desejo, ciúme e desespero (ver Separação, Ciúme e Cinzas).

Munch costuma usar sombras e anéis coloridos ao redor de suas figuras para enfatizar uma aura de medo, ameaça, ansiedade ou intensidade sexual. Essas pinturas foram interpretadas como reflexos das ansiedades sexuais do artista, embora também se possa argumentar que representam sua relação turbulenta com o próprio amor e seu pessimismo geral em relação à existência humana. Muitos desses esboços e pinturas foram feitos em várias versões, como Madonna, Hands and Puberty, e também transcritos como gravuras em xilogravura e litografias. Munch odiava se separar de suas pinturas porque pensava em seu trabalho como um único corpo de expressão.

Assim, para capitalizar sua produção e ganhar alguma receita, ele se voltou para as artes gráficas para reproduzir muitas de suas pinturas mais famosas, incluindo as desta série. Munch admitiu os objetivos pessoais de seu trabalho, mas também ofereceu sua arte para um propósito mais amplo, "Minha arte é realmente uma confissão voluntária e uma tentativa de explicar a mim mesmo minha relação com a vida - é, portanto, na verdade, uma espécie de egoísmo , mas estou constantemente esperando que, por meio disso, eu possa ajudar outros a obter clareza. ”

Embora atraísse reações fortemente negativas, na década de 1890 Munch começou a receber alguma compreensão de seus objetivos artísticos, como escreveu um crítico: “Com um desprezo implacável pela forma, clareza, elegância, integridade e realismo, ele pinta com a força intuitiva do talento ao máximo visões sutis da alma. ” Um de seus grandes apoiadores em Berlim foi Walther Rathenau, mais tarde ministro das Relações Exteriores alemão, que contribuiu fortemente para seu sucesso.

Paris, Berlim e Christiania

Em 1896, Munch mudou-se para Paris, onde se concentrou em representações gráficas de seus temas “Frieze of Life”. Ele desenvolveu ainda mais sua xilogravura e técnica litográfica. O Auto-retrato de Munch com braço esquelético (1895) é feito com um método de agulha e tinta de gravação também usado por Paul Klee. Munch também produziu versões multicoloridas de “The Sick Child” que venderam bem, bem como vários nus e várias versões de Kiss (1892). Muitos dos críticos parisienses ainda consideravam o trabalho de Munch “violento e brutal”, mas suas exposições receberam muita atenção e boa participação. Sua situação financeira melhorou consideravelmente e, em 1897, Munch comprou uma casa de verão de frente para os fiordes de Christiania, uma pequena cabana de pescador construída no final do século 18, na pequena cidade de Åsgårdstrand na Noruega. Ele apelidou esta casa de “Casa Feliz” e voltou aqui quase todos os verões pelos próximos 20 anos. Era desse lugar que ele sentia falta quando estava no exterior e nos períodos em que se sentia deprimido e exausto. “Andar em Åsgårdstrand é como andar entre minhas pinturas - fico tão inspirado para pintar quando estou aqui”.

Em 1897, Munch voltou para Christiania, onde também recebeu aceitação relutante - um crítico escreveu: “Um bom número dessas fotos já foi exibido antes. Na minha opinião, isso melhora o conhecimento. ” Em 1899, Munch iniciou um relacionamento íntimo com Tulla Larsen, uma mulher “liberada” da classe alta. Eles viajaram juntos para a Itália e, ao retornar, Munch iniciou outro período fértil em sua arte, que incluiu paisagens e sua pintura final na série “The Frieze of Life”, The Dance of Life (1899). Larsen estava ansioso para se casar, e Munch pediu ajuda.

A bebida e a saúde debilitada reforçaram seus temores, ao escrever na terceira pessoa: “Desde criança odiava o casamento. Sua casa doente e nervosa lhe deu a sensação de que não tinha o direito de se casar. ” Munch quase cedeu a Tulla, mas fugiu dela em 1900, também abandonando sua considerável fortuna, e mudou-se para Berlim. Seu Girls on the Jetty, criado em dezoito versões diferentes, demonstrou o tema da juventude feminina sem conotações negativas. Em 1902, ele exibiu suas obras tematicamente no salão da Secessão de Berlim, produzindo “um efeito sinfônico - causou um grande rebuliço - muito antagonismo - e muita aprovação”. Os críticos de Berlim estavam começando a apreciar o trabalho de Munch, embora o público ainda achasse seu trabalho estranho e estranho.

1902-1903. Edvard Munch (1863-1944). Noite De Verão Na Praia. Vejo Marina Fistoulari Mahler (1943).

A boa cobertura da imprensa chamou a atenção de Munch de patrocinadores influentes Albert Kollman e Max Linde. Ele descreveu a virada dos eventos em seu diário: “Depois de vinte anos de luta e miséria, forças do bem finalmente vieram em meu auxílio na Alemanha - e uma porta brilhante se abriu para mim”. No entanto, apesar dessa mudança positiva, o comportamento autodestrutivo e errático de Munch envolveu-o primeiro com uma violenta briga com outro artista, depois com um tiro acidental na presença de Tulla Larsen, que havia retornado para uma breve reconciliação, que feriu dois de seus dedos. Ela finalmente o deixou e se casou com um colega mais jovem de Munch. Munch interpretou isso como uma traição e insistiu na humilhação por algum tempo, canalizando parte da amargura para novas pinturas. Suas pinturas Still Life (The Murderess) e The Death of Marat I, feitas em 1906-1907, claramente referenciam o incidente do tiroteio e os efeitos emocionais posteriores.

Em 1903-1904, Munch expôs em Paris, onde os fauvistas, famosos por suas cores ousadamente falsas, provavelmente viram suas obras e podem ter encontrado inspiração nelas. Quando os fauves fizeram sua própria exposição em 1906, Munch foi convidado e expôs suas obras com as deles. Depois de estudar a escultura de Rodin, Munch pode ter feito experiências com a plasticina como uma ajuda ao design, mas ele produziu poucas esculturas. Durante esse tempo, Munch recebeu muitas encomendas de retratos e gravuras, o que melhorou sua condição financeira geralmente precária. Em 1906, ele pintou a tela de uma peça de Ibsen no pequeno teatro Kammerspiele do Berlin Deutsches Theater, em que o Friso da Vida foi pendurado. O diretor do teatro, Max Reinhardt, mais tarde o vendeu; agora está na Berlin Nationalgalerie. Depois de um período anterior de paisagens, em 1907 ele voltou sua atenção para as figuras e situações humanas.

1907. Edvard Munch (1863-1944). A criança doente.

Repartição e recuperação

No outono de 1908, a ansiedade de Munch, agravada pelo excesso de bebida e brigas, tornou-se aguda. Como ele escreveu mais tarde: “Minha condição estava à beira da loucura - era impossível”. Sujeito a alucinações e sentimentos de perseguição, ele entrou na clínica do Dr. Daniel Jacobson. A terapia que Munch recebeu nos oito meses seguintes incluía dieta e “eletrificação” (um tratamento então na moda para problemas nervosos, não deve ser confundido com eletroconvulsoterapia). A permanência de Munch no hospital estabilizou sua personalidade e, após retornar à Noruega em 1909, seu trabalho tornou-se mais colorido e menos pessimista. Para iluminar ainda mais seu humor, o público em geral de Christiania finalmente se entusiasmou com seu trabalho e os museus começaram a comprar suas pinturas. Ele foi nomeado Cavaleiro da Ordem Real de St. Olav “por seus serviços na arte”. Sua primeira exposição americana foi em 1912 em Nova York.

1912. Edvard Munch (1863-1944).

Como parte de sua recuperação, o Dr. Jacobson aconselhou Munch a se socializar apenas com bons amigos e evitar beber em público. Munch seguiu esse conselho e, no processo, produziu vários retratos completos de amigos e clientes de alta qualidade - retratos honestos e desprovidos de lisonja. Ele também criou paisagens e cenas de pessoas trabalhando e brincando, usando um novo estilo otimista - pinceladas largas e soltas de cores vibrantes com uso frequente de espaço em branco e raro uso de preto - com apenas referências ocasionais a seus temas mórbidos. Com mais renda, Munch conseguiu comprar várias propriedades, dando-lhe novas perspectivas para sua arte e, finalmente, conseguiu sustentar sua família.

A eclosão da Primeira Guerra Mundial encontrou Munch com lealdades divididas, como ele afirmou: “Todos os meus amigos são alemães, mas é a França que amo”. Na década de 1930, seus patronos alemães, muitos judeus, perderam suas fortunas e alguns de suas vidas durante a ascensão do movimento nazista. Munch encontrou impressores noruegueses para substituir os alemães que imprimiam seus trabalhos gráficos. Dado seu histórico de saúde precário, durante 1918 Munch se sentiu sortudo por ter sobrevivido a um surto de gripe espanhola, a pandemia mundial daquele ano.

Anos depois

Munch passou a maior parte de suas últimas duas décadas na solidão em sua propriedade quase autossuficiente em Ekely, em Skøyen, Oslo. Muitas de suas pinturas tardias celebram a vida na fazenda, incluindo várias nas quais ele usou seu cavalo de trabalho “Rousseau” como modelo. Sem qualquer esforço, Munch atraiu um fluxo constante de modelos femininas, que pintou como temas de inúmeras pinturas de nus. Ele provavelmente teve relações sexuais com alguns deles. Munch ocasionalmente deixava sua casa para pintar murais sob encomenda, incluindo aqueles feitos para a fábrica de chocolate Freia.

Até o final de sua vida, Munch continuou a pintar autorretratos implacáveis, acrescentando ao seu ciclo de auto-busca de sua vida e sua série de abordagens inabaláveis ​​sobre seus estados físicos e emocionais. Nas décadas de 1930 e 1940, os nazistas rotularam a obra de Munch de "arte degenerada" (junto com a de Picasso, Paul Klee, Matisse, Gauguin e muitos outros artistas modernos) e removeram suas 82 obras de museus alemães. Adolf Hitler anunciou em 1937: "Por tudo que nos importamos, aqueles bárbaros da cultura pré-histórica da Idade da Pedra e gagos da arte podem retornar às cavernas de seus ancestrais e lá podem aplicar seus primitivos arranhões internacionais."

Edvard Munch (1863-1944).

Em 1940, os alemães invadiram a Noruega e o partido nazista assumiu o governo. Munch tinha 76 anos. Com quase uma coleção inteira de sua arte no segundo andar de sua casa, Munch vivia com medo de um confisco nazista. Setenta e uma das pinturas anteriormente tiradas pelos nazistas haviam sido devolvidas à Noruega por meio de compra por colecionadores (as outras onze nunca foram recuperadas), incluindo O grito e A criança doente, e também foram escondidas dos nazistas.

Munch morreu em sua casa em Ekely, perto de Oslo, em 23 de janeiro de 1944, cerca de um mês após seu 80º aniversário. Seu funeral orquestrado pelos nazistas sugeriu aos noruegueses que ele era um simpatizante do nazismo, uma espécie de apropriação do artista independente. A cidade de Oslo comprou a propriedade Ekely dos herdeiros de Munch em 1946; sua casa foi demolida em maio de 1960. 

Principais obras

  • 1892: Noite em Karl Johan.
  • 1893: O Grito.
  • 1894: Ashes.
  • 1894-1895: Madonna.
  • 1895: Puberdade.
  • 1895: Autorretrato com cigarro aceso.
  • 1895: Morte na enfermaria.
  • 1899–1900: The Dance of Life.
  • 1899-1900: The Dead Mother.
  • 1903: Village in Moonlight.
  • 1940–1942: Autorretrato: Entre Relógio e Cama.

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